Восемь художниц, изменивших историю

фото pixabay.com

Исторически сложилось, что роль женщины в искусстве всегда была второстепенной. Женщина служила музой, натурщицей, но не художником. Даже талантливых художниц не воспринимали всерьез, им сложно было занять достойное место в мужском артистическом мире.

 

Несмотря ни на что, среди женщин-художниц появлялись настолько талантливые и самобытные “жемчужины”, которые блистали так ярко и своим искусством затмили даже самых великих мужчин.

В преддверии Международного женского дня, восемь историй о женщинах-художницах, изменивших историю.

№1. Фрида Кало.

«Я дразню смерть и смеюсь над ней так, что она не может быть со мной хороша».

Фрида Кало — одна из самых ярких художниц в истории живописи. История ее жизни — настоящий психологический триллер.

В шесть лет Фрида переболела полиомиелитом, в результате чего ее правая нога осталась короче левой и она всю оставшуюся жизнь хромала. В 18 лет художница попала в страшную аварию. Она перенесла более 30 операций, целый год была прикована к больничной койке. В госпитали и начался ее художественный путь.

В 22 Фрида вышла замуж за взбалмошного и любвеобильного художника Диего Ривера, который постоянно ей изменял. Фриду и Диего объединяли не только любовь ,страсть и живопись, но еще и коммунистическая партия.

Из-за полученных травм, художница не могла иметь детей, и эта боль отразилась в ее творчестве.

"Две Фриды", 1939 г.

№2. Сюзанна Валадон.

«Я пишу людей, чтобы узнать их. Не приводите ко мне женщин, которые ждут,что я изображу их обаятельными или приукрашенными, я их немедленно разочарую».

Мари-Клементин Валад, известная как Сюзанна Валадон, была первой женщиной, принятой во французский союз художников в 1894 году.

В возрасте пятнадцати лет она стала цирковой акробаткой, но год спустя была вынуждена завершить цирковую карьеру из-за травмы. Затем работала натурщицей у многих известных художников таких, как Пьер Огюст Ренуар, Анри Тулуз-Лотрек и Эдгар Дега.

Валадон писала натюрморты, цветы и пейзажи, замечательные силой композиции и энергичными цветами. Также она известна изображениями обнаженной натуры.

В 1894 году Валадон становится первой женщиной, допущенной к членству в Национальном обществе изящных искусств.

"Закидывание сети", 1914 г.
Клара Петерс "Суета сует"

№3. Клара Петерс.

Клара Петерс считается одной из первых известных женщин-художниц, мастер натюрмортов. Ее работы были признаны наряду с натюрмортами ее коллег мужского пола.

Клара Петерс родилась в 1594 году в Гааге. Художница происходила из богатой семьи. На ее натюрмортах изображена дорогая посуда и изобилие деликатесов.

О судьбе художницы мало, что известно, но ее натюрморты украшают музеи мира.

«Натюрморт с цветами и золотым бокалом», 1611 г.

№ 4. Джорджия О’Кифф.

«Я ненавижу цветы. Я рисую их, потому что они дешевле моделей, и они не двигаются».

Джорджия О’Кифф — американская художница, прославившаяся своими картинам с огромными цветами.

В 2014 году Джорджия О’Кифф стала самой дорогой в мире женщиной-художником. Её картина «Дурман» (Белый цветок № 1) была продана за рекордные 44 млн. долларов.

В 1929 году, после ссоры с мужем, который уходит от художницы к молодой любовнице, Джорджия отправляется в Нью-Мексико в поисках вдохновения и душевного равновесия. После первой поездки в Нью-Мексико начинает писать черепа и кости животных и пустынные пейзажи.

В 1970-х О’Кифф частично теряет зрение, работает с керамикой и пишет автобиографическую книгу.

"Черный ирис III", 1926 г.

№ 5. Наталья Гончарова.

Наталья Гончарова — правнучатая племянницы Натальи Николаевны Гончаровой, супруги Александра Сергеевича Пушкина. Была ученицей великого русского художника Константина Коровина.

Считается одной из основательниц русского авангарда. Вместе с мужем, художником Михаилом Ларионовым, основала творческое объединение «Ослиный хвост».

Работала с Сергеем Дягилевым над оформлением “Русских сезонов” в Париже.

В 2008 году картина Гончаровой “Цветы” была продана более, чем за 10 млн долларов и стала самой дорогой картиной, написанной женщиной.

"Цветы", 1912 г.

№ 6. Вера Мухина.

«То, что пугало вчера, стало родным сегодня».

Вера Мухина — советский скульптор, автор известных монументов, таких как “Рабочий и колхозница”, “Наука”, “Хлеб” и “Плодородье” а также памятников Максиму Горькому в Нижнем Новгороде и Чайковскому в Москве.

В 22 года Вера вылетела из саней и сильно травмировала лицо. Мухина перенесла 7 пластических операций и была совершенно сломлена. Черты ее лица стали абсолютно мужскими. Потеряв собственное лицо, она твердо стать скульптором, работами которого будут вдохновляться тысячи людей.

В 1928 году Скульптура Мухиной «Крестьянка» получила Сталинскую премию, после второй мировой войны перешла в собственность музея Ватикана в Риме.

Самой знаменитой композицией Мухиной стал 24-метровый монумент «Рабочий и колхозница», который был установлен в Париже на Всемирной Выставке в 1937 году.

"Рабочий и колхозница", 1937 г.

№ 7. Марина Абрамович.

«Меня интересуют только те идеи, которые вызывают зависимость и лишают тебя покоя — те идеи, которых я боюсь».

Марина Абрамович — югославская современная художница, мастер перфоманса, открывшая новое понятие идентичности, делая наблюдателей участниками и сосредотачиваясь на «противостоянии боли, крови и физических пределах тела».

Главным объектом перформансов художницы всегда было ее собственное тело. Желая изучить его границы и возможности, она переносила боль, изнеможение и опасности в поисках эмоционального и духовного преображения.

Самый известный перфоманс Абрамович — «В присутствии художника». Идея перформанса заключалась в том, что художница, сидя за столом в пустом зале, могла установить зрительный контакт с любым желающим посетителем выставки, который садился напротив нее. Перформанс длился 736 часов и 30 минут, художница посмотрела в глаза 1500 зрителям. Она работала 3 месяца, практически без выходных, молча и неподвижно сидела на стуле. За 15 минут контакта, каждый переживал свой опыт, кто-то плакал, кто-то улыбался, и каждый уходил из музея, как после сеанса с психотерапевтом.

Самой Марине Абрамович на момент перфоманса было 63 года.

скриншот из фильма "В присутствии художника"

№ 8. Яёи Кусама.

“Мое искусство берет своё начало в моих галлюцинациях, которые только я могу видеть».

Яркий, эпатажный образ, красная одежда в белый горошек — японская художница Яёи Кусама одна из самых противоречивых и обсуждаемых художниц современности.

С детства Яёи страдала галлюцинациями и навязчивыми мыслями суицидального характера. Все, что попадалось юной художницы под руку расписывалось горошками. Рисунок в горошек стал её фирменным стилем, её персональным брендом.

В 50-х годах прошлого века Кусама уехала из Японии в Нью-Йорк, где познакомилась с самим Энди Уорхолом.  В 60-е эпатажная художница возглавила авангардное арт-движение, организовывала безумные и провокационные хэппенинг и перфомансы, раскрашивая все и всех в горошек. Тогда же художница занялась fashion-индустрией и основала собственный бренд «Kusama Fashion Company Ltd».

В середине 70-х здоровье Яёи стало ухудшаться и она была вынуждена вернуться в Японию и лечь в психиатрическую клинику.

И только в 90-х участие в Венецианском бьеннале вернули Кусаму в мир искусства.  В 2008 году работа художницы была продана на аукционе Кристис за 5,1 млн долларов.

Добавить сайт в мои источники